スーパーヒーロー研究の紹介

先日「スーパーヒーローの概念史」という論文を書いた。その時の記事でスーパーヒーロー研究には先行研究が多いと書いたが、以下でスーパーヒーロー研究の基本書を紹介することにしたい。需要があるのかよくわからないが、書き残さないと自分で忘れてしまいそうなので書いておく。

まずアメリカにおけるコミック研究の現状を簡単に紹介しよう。The Routledge Companion to Comicsの序文によると、アメリカで、キャリアの最初からコミックを専門にしてコミックで博論を書いたのは、2005年に Alternative Comics を博論として出版したCharles Hatfieldさんがはじめてらしい。もちろんそれ以前にもコミックを扱った研究はあるのだが、「コミック研究が専門」という人はほとんどいなかったそうだ。

例えば、日本でもよく参照されるマクラウドのUnderstanding Comicsは、アメリカでもコミック研究に大きな影響を与えた重要な著作だが、マクラウドはマンガ研究者というわけではなくマンガ家だ。

Understanding Comics

マンガ学―マンガによるマンガのためのマンガ理論

マクラウドの本はどちらかというとアカデミックな感じだが、コミック研究という分野は、在野の愛好家に支えられた分野でもあるので、もう少しやわらかい一般向けの本もたくさん出ている。

ここでわざわざ〈一般書〉と〈研究書〉を区別するのは、両者は目的や体裁がかなり違うからだ。一般書の方は生き生きした記述が多くそれはそれで非常にためになるのだが(特に、私のようにアメリカに住んでるわけではない人間にとっては、一般書の存在はありがたかった)、文献やデータの参照をきちんと書いてくれていないことが多い。「この発言の出典どこだよ……」「この数字どこからもってきた……」みたいなことが多いので、論文で参照する場合は結構使いづらいのだ。そういうわけで、研究として扱いたい場合は、たとえ内容が無味乾燥であっても研究書を重宝することが多い。

日本語で読めるもの

以下の2冊は、一般書カテゴリーだが、どちらもすごく良い本で、これを読むだけでスーパーヒーローコミックの通史がある程度わかる。前者は図版も多いので内容もイメージしやすいと思う。後者は、グラント・モリソンという一級のコミックライターが書いたものなので迫力があるし、これ自体が一次資料として重要なものだと思う。

THE HERO―アメリカン・コミック史

スーパーゴッズ アメリカン・コミックスの超神たち (ShoPro Books)

『DCコミックスアンソロジー』は、DCコミックスの重要な著作を並べつつ、簡単な歴史解説をつけたもの。これは歴史解説とセットで作品の翻訳も読めるので非常におすすめだが、当然ながらDCの作品しか載っていない。

DCコミックス アンソロジー

基本書

スーパーヒーロー研究はすでにある程度先行研究が整備された分野なので、ありがたいことに論文集とリーダー*1と教科書が出ている。

What is Superhero?は、スーパーヒーローの定義について研究者とクリエーターを集めて、それぞれの意見を書かせましたという内容だが、執筆陣が豪華で、代表的な研究者と、とんでもない大御所のクリエーターが集まっている。

What is a Superhero?

The Supehero Readerはスーパーヒーロー研究の代表的論文を集めたリーダーで、ここに入っている論文はどれもおもしろかった。これを読むと、代表的な研究者や研究のバラエティの広がりも含めてわかると思う。姉妹編でA Comics Studies Readerというのも出ている。こちらはスーパーヒーローコミックにかぎらず、英語のコミック研究の論文を集めたもの。

Superhero Comics はBloomsbury Comics Studiesというシリーズの一冊らしく、教科書的な一冊。良い本ではあるが、ちょっとぶ厚いのが欠点。

Superhero Comics (Bloomsbury Comics Studies)

おまけ

これくらいで十分な気もするが、以下おまけ。

A Brief History of Superheroes は一般書カテゴリーだがマンガだけではなく、後半で映像化の歴史が網羅的に紹介されていた。

Comic Book Nation は研究書カテゴリーで、歴史家が書いたものなので、歴史の部分が詳細。

*1:代表的な論文を集めた論文集。

ニック・ザングウィル「ホテルペインティングと芸術の本質」

Nick Zangwill, Hotel Paintings and the Nature of Art: Everyday Artistic Phenomena and Methodology - PhilPapers

Zangwill, Nick (2018). Hotel Paintings and the Nature of Art: Everyday Artistic Phenomena and Methodology. The Monist 101 (1):53-58.

The Monistの日常美学特集に掲載された論文。

1. ホテルペインティング(ホテルの部屋にある絵)は、観客の目に止まらず、すぐ忘れられるような無難なものであることが望ましい。ホテルペインティングはまさにそれを目指して作られる*1。
2. しかしホテルペインティングは芸術である。

という2つの前提から、芸術作品に関する美的機能説──芸術作品とは、鑑賞者に美的経験をもたらす機能をもった人工物であるという立場──など、鑑賞者の反応によって芸術を定義する立場への反例としている。

つまり、ホテルペインティングにとってはすぐ忘れられることが成功の条件であり、美的経験をもたらすことは目的ではない。そういうタイプの芸術作品もあるのだとすると、美的機能説のような立場は芸術をうまく捉えられていないということになるという議論だ。おそらく、スーパーでかかってるBGMなどでも同じ議論はできそうな気がする。

本当にホテルペインティングは芸術作品なのか?という点は疑問の余地がありそうだが、ホテルペインティングは絵画であり、絵画は芸術であるという以上の議論は特になかった。

ただし、ホテルペインティングの目的は忘れられることにあるという指摘は非常に印象的なものではあると思う。今改めて考えてみると、先週末泊ったホテルにどんな絵があったのか、そもそも絵があったのかすら思い出せないことに気づいた。

*1:著者も指摘するように、制作者はホテルペインティングとして作ったわけではないのだが、無難な絵だったためにホテルペイティングとして採用されるという可能性もある。ただしその場合でもホテル側の目的は、無難さにあると言えるだろう。

書いた論文の宣伝: スーパーヒーローの概念史

フィルカル最新号(Vol. 3, No. 1)に「スーパーヒーローの概念史: 虚構種の歴史的存在論」という論文を書きました。

BaseまたはAmazonなどから購入できます。あと池袋のジュンク堂さんや新宿の紀伊国屋さんにあるようです。

目次は以下で見ることができます。

http://philcul.net/?p=598

(1) スーパーヒーローの歴史を扱った論文です

38年から80年代くらいのアメリカンコミック史(スーパーヒーローコミックのみ)をざっと扱っています。メインは60年代です。

これを読むと、最近のMCU映画などでも有効な「スーパーヒーロー=トラブルメーカー」という図式や、ユニバース化の傾向がだいたい60年代のマーベルでスタン・リーやジャック・カービーによって作られたということがわかります。また、この論文のメインの主張としては、60年代の前後で、スーパーヒーロー概念が、〈読者が用いる概念〉から〈キャラクターが自己規定に用いる概念〉に変化し、それによって分類が変化したということを書いています。

すいませんがちょっと長いんですが、無意味に長くしたわけではなく、歴史的な素材を扱うところでどうしてもページ数が必要でした。

(2) ハッキングの研究の応用です

この論文は、イアン・ハッキングのやっている「歴史的概念分析」(歴史的存在論)を自分でもやってみたというものになります。だいたい哲学者はハッキングのことはほめるけど、絶対自分でハッキング的な研究はしないんですが(本当にやってる人がいない)、私は自分でハッキング的な研究を実行してみました。

なんでそんなことをやろうと思ったかというと、私自身はフィクションの哲学に関心があるんですが、メインの関心はやはり、私たちがフィクションに関わる時に実際にやっていることをきちんと理解したいという部分にあるんですね。そういうモチベーションが大きいので、抽象的な議論だけでフィクショナルキャラクターの存在論とかを扱うことにちょっと限界を感じていたというのもあります(もちろん哲学的な議論だけでできる仕事もまだあるでしょうし、単純にいろんなアプローチがあっていいと思うんですが)。

そこで何か具体的なジャンルとか虚構種の歴史を扱いたいと思って、スーパーヒーローにしました。なんでスーパーヒーローかというと、単純に私が興味があるというのもあるんですが、主な理由は先行研究が多かったからです(そのうち先行研究の紹介もしようかと思います)。

イベントもあります！

4月21日(土)19時から、田原町の書店Readin' Writin'さんで、私と岩切啓人さんと森功次さんで、フィルカル最新号ににからめてトークイベントをします！ こちらもよろしくお願いします。

【日時】4月21日（土）18:30開場 19:00開演

【場所】田原町 書店「Readin’ Writin’」

【料金】参加費1,000円

【登壇者】高田敦史、岩切啓人、森功次

イベントの詳細

事前予約

ロナルド・ドゥオーキン「リベラルな国家は芸術を支援できるか?」

美的理由について勉強するシリーズ。

→その1 その2 その3

原理の問題

『原理の問題』の9章に入ってる、国家による芸術支援に関する有名な論文を読んだ。

この論文では、国家が芸術と人文学に関して、どれだけ支援すべきなのかという問題を扱っている。前半では、(1)経済学的アプローチと(2)高尚なアプローチという二つのアプローチが検討され、どちらも退けられる。

1. 経済学的アプローチ: 共同体において保持されるべき芸術の質は、共同体が芸術の保存のために支払うことを望む価格によって決定される。
2. 高尚なアプローチ: 人々が望むものではなく、人々が持つに値する芸術を保持するべきだ。

経済学的アプローチは「市場に任せろ」、高尚なアプローチは「良い芸術を与えろ」とそれぞれ要約できるだろう。

経済学的アプローチにおいては、人々が自分が喜んで支払ってもよいと思う金額に応じた芸術を享受するべきだという前提が採用される。ここからストレートに出てくる結論は、芸術への公的支援はほとんどしなくても良いというものになる。なぜなら、国家が余計な支援をしなければ、人々は自分が望むだけの金額を美術館の入場料やオペラのチケットに対して支払うはずだからだ。市場に任せておけば、適正な価格が決定され、人々はちょうど自分が望むだけの芸術を得るはずだ。もし、公的補助金が市場を邪魔してしまうと、共同体は、自分が必要とする以上の金額を芸術に対して投入してしまうことになる。

また、経済学的アプローチに対して反発を覚える人々は、高尚なアプローチに共感するかもしれないが、その欠点についても考えるべきだろう。第一に、大学や美術館への補助金によって利益を受ける人々の大半は、すでに芸術を好むだけの教育を受けた裕福な人々である。医療や貧困対策ではなく、芸術に出資することは、裕福な人々にさらなる利益を与え、不公平を拡大するかもしれない。第二に、高尚なアプローチは傲慢なパターナリズムである。それは、ある生き方よりも特定の生き方の方が立派であり、テレビでフットボール中継を観るよりもティツィアーノの絵を観る方がより良い生き方だといった判断を強制するものである。国家が徴税と警察権力の独占を背景に、特定の善の構想を押しつけることは許されるべきではない。

だが、改めて考えると、経済学的アプローチの前提には問題がある。ドゥオーキンは、芸術には、いわゆる公共財とよく似た性格があることを指摘する。ハイカルチャーが栄えると、文化全体がその恩恵を受けて栄えるという関係があるのであれば、芸術への支払いは、料金を支払った人以外にも利益を与えることになる。公共財の場合、市場による選択がうまくいかないことはよく知られている。

ただし、芸術支援の場合、公共財に対する通常のアプローチはあまりうまくいかなさそうだ。ドゥオーキンは3つ問題をあげている。

1. タイムラグの問題: ハイカルチャーを援助することで文化全体が栄える場合、効果が出るまでに大きな時間がかかる。
2. 不確定性の問題: どの程度の出費がどの程度の効果をあげるのか、大まかに予言する方法さえない。
3. 一貫性の問題: 人々がどんな文化を欲するかを決めることは原理的に不可能である。

このうち一貫性の問題がもっとも深刻なものだが、一言で説明するのは難しいので、詳しく説明する。ドゥオーキンによれば、共同体の文化は、その成員の選好と価値観にあまりにも深く影響してしまうので、文化の選択を比較することは不可能だ。例えば、オペラという芸術形式が仮に存在しなかったとしよう。しかしオペラをもたない文化は、果たしてそのことを嘆くだろうか。彼らはもはやオペラ文化を構成していた概念や価値観を持たないのだから、その喪失を残念がることもないだろう。もし私たちが現在の芸術支援をケチれば、未来世代はオペラの喪失と同様の喪失をこうむるかもしれないが、それがどれだけの害になるのか、果たして害と言えるのかどうかすら明確ではない。

ドゥオーキンの言う困難は、比較不可能性の問題なので、もちろん〈芸術を支援すべきではない〉という結論が出てくるわけではない。問題はむしろ〈いくら払えばいいのか決定することは極端に難しい〉という部分にある。

代替案としてドゥオーキンが提示するのは、以下のような案だ。まず文化と芸術は、私たちの思考と価値観を構成するリソースであり、言語と同じようなものだ。それらが多様性や創造性を失なうことは悪いことだとは一応言えるだろう。また、これはパターナリズムではないという擁護は可能だ。多様性と創造性を保持することは、特定の選好を押しつけることではなく、むしろより選択肢を増やすことにつながるのだから、パターナリズムではないだろう。

ドゥオーキンの案は、それほど明確とは言えないが、以上のような発想のもと、芸術と文化の多様性と創造性を保持することを目的とした公金の投入は一定程度正当化されるだろうというものになる。

James Shelley「美学における価値経験主義への反論」

Shelley, James (2010). Against Value Empiricism in Aesthetics. Australasian Journal of Philosophy 88 (4):707-720.

美的理由について勉強するシリーズ。これはどちらかと言えば、美的価値についての論文だが。

→その1 その2

著者は、以下のような、美的価値の経験説に反対している。

美的価値の経験説: ものが美的価値をもつのは、それがもたらす経験の価値のためである。

この説の支持者によれば、なぜ美しいものに価値があるのかと言えば、美しいものは快をもたらすからだということになる。この説にはとても人気があるが、著者はこれに反対する。

分離可能な価値の異端説: 美的価値の経験説が芸術作品の美的価値に当てはまるとしよう。この場合、作品の美的価値は経験の価値に由来する。そうすると、ある作品と同じ経験をもたらすものは何であれ、この作品と同じ価値をもつことになる。しかし、芸術作品の価値は、このような仕方で分離可能なものではない。

つまり、経験説によれば、芸術作品の価値は、「快をもたらす薬」などと同じような道具的価値しかもたないことになってしまうのではないかという反論だ。

よくある再反論: 上記の反論は、作品がもたらす快を、作品それ自体から切り離せるように考えているので間違っている。作品がもたらす快の価値は、作品それ自体から切り離せないのだ。

作品から得られる快は、単なる身体的快楽のようなものではなく、その作品自体を経験の表象内容に含むような複雑な経験なのだ。だから、それによって芸術作品の価値が道具的価値になることはないのだという反論だ。

しかし、著者によれば、この再反論はうまくいっていない。経験説の支持者は、対象の美的価値を経験の価値によって説明したはずなのだから、経験の価値を説明する際に再び作品を参照してはならない。もし以下のように答えるとすれば、循環になってしまう。

• Q「作品の美はなぜ価値をもつのか?」A「価値ある経験をもたらすからだ」
• Q「その経験はなぜ価値をもつのか?」A「価値ある作品の経験だからだ」

もし循環を避けようとすれば、経験の価値は、何らかの現象的性質に由来すると答えなければならない。そうだとすると、結局、最初の批判に答えられないだろう。

Noel Carroll, 穏健な道徳主義

Carroll, Noël (1996). Moderate moralism. British Journal of Aesthetics 36 (3):223-238.

Beyond Aesthetics: Philosophical Essays

目次

1. 序
2. 過激な自律主義
3. 穏当な自律主義

芸術的価値と道徳的価値の話が話題だったので、Evernoteの読書ノートからサルベージ。

芸術的価値は道徳的評価から自律しているか?というのはよく議論されるが、この論文は自律主義の批判で有名。最初のところでは、「自分の若い頃はニュークリティシズムの全盛で、芸術を道徳的に評価するなんてとんでもないという雰囲気だったが、最近はアーティストも政治の話をするようになった」とか思い出話をしており、その辺もおもしろい。

キャロルは以下の3つの立場を対比させた上で、穏健な道徳主義を擁護している。

立場	説明
過激な自律主義	芸術を道徳や政治の観点から語ることは不適切だ
穏健な自律主義	芸術作品の道徳的評価は有意味だが、芸術作品の美的次元は、道徳的評価の次元から独立している
穏健な道徳主義	作品の道徳的評価は美的評価に関わりうる

前半では、自律主義の議論を「最大公約数論証」として再構成し、これを批判している。後半では、後に「適切な反応の論証」と名付けられた論証で、穏健な自律主義を批判している。

キャロルが考える自律主義の問題点は、一部の芸術の特徴をアート一般に拡張し、アート一般の評価規準として主張してしまう部分にある。例えば自律主義の論証は典型的には以下のような形をとる。

• 芸術はそれ自体として評価される。
• 道徳的評価は作品をそれ自体として評価することではない。
• よって作品を道徳的に評価することは不適切だ。

「芸術はそれ自体として評価される」「道徳的に評価されない」といった特徴は、確かに芸術作品のプロトタイプ的イメージとしてはよくあるものかもしれない。しかし、それは本当に、あらゆる芸術形式・あらゆるジャンルの芸術作品の特徴として適切なものだろうか。

キャロルが指摘するように、物語作品に対して道徳的反応をすることはごく普通だ。物語の読者は、作中の出来事を道徳的に捉え、適切な感情的反応をとる。しかし、そうだとすると、自律主義が「芸術一般の評価規準」として持ち出すものは、単に一部のジャンルの慣習を不当に一般化したものになってしまうかもしれない。

また、キャロルが穏健な自律主義に対する批判として持ち出すのもやはり物語芸術の例だ。物語芸術の場合、道徳的評価は明らかに芸術的評価に影響する場合がある。例えば、作中で道徳的人物として肯定的に描かれている主人公が、実際には差別的な言動をしていれば、それは作品としてもマイナスに評価されるだろう*1。

具体的に、キャロルがあげているのは『アメリカンサイコ』の例だ。この作品は80年代アメリカの風刺だが、殺人の場面を暴力的に描きすぎてあまりうまくいっていない(らしい)。こういうのは制作者の道徳的な誤判断が作品の芸術的評価にも悪影響を及ぼす例だとキャロルは主張する。

*1:もちろん、ジャンルにもよるし、文脈にもよる。キャロルが言っているのは単にそういう場合があるだろうという話だ。

Marcia Muelder Eaton, 「美的義務」

Eaton, Marcia Muelder (2008). Aesthetic obligations. Journal of Aesthetics and Art Criticism 66 (1):1–9.

美的理由について勉強するシリーズその2。

→その1

「道徳的義務」や「認識的義務」が存在するのに対し、「美的義務」は存在しないと言われる。道徳的義務や認識的義務に反することは非難に値する。例えば、「他人のものを盗まない」とか「証拠の無いことを信じない」といった規範を受け入れなければ非難を受けるだろう。

一方、美的理由に従わないからといって真剣な非難を受けることは想定しづらい。美的理由は、道徳的理由や認識的理由とちがって、「オプショナル」だ。どれだけ美しい絵であれ、崇高な光景であれ、特に興味がないから見に行かないということは許されている。美的理由に従うことは、自発的な意志の問題であり、よくも悪くも義務による強制とは異なるのではないだろうか。

では美的義務は本当にないのか? 著者はこの論文で、美的義務の可能性を模索している。

著者が注目するひとつは、美的ジレンマだ。道徳的ジレンマに道徳的義務が現われるように、美的ジレンマには美的義務が現われるかもしれない。著者は現実の事例も架空の事例もたくさん検討しているが、わかりやすいのは、「焼ける美術館」のケースだ。火事で燃えさかる美術館からひとつだけしか絵を持ち出せないとすれば、どの絵を救出すべきか?

また、架空の例ではなくても、現実の絵画修復者はこれと同じようなジレンマに直面する。1980年に開始されたシスティーナ教会の復元では、色あせたフレスコ画が鮮やかに復元されたが、批判も多く、激しい議論があった。これについてはWikipediaの記事で詳しく説明されていてなかなかおもしろかったが、修復によって美術作品の長く親しまれた姿を取り除くことはジレンマを含んでいる。

もうひとつ著者が注目するのは、他人を人格として扱うことは、他人の人生を物語として尊重し、良いストーリーを語ることを含んでいるという論点だ。例えば、歴史上の人物を悪の象徴として歪めたり、逆に美化して語ることは許されるのかといった問題だ。

ただし、著者自身認めているように著者があげている例は、美と道徳の中間領域のような事例が多い。